不等克里夫再说什么，罗南就直接主动进入了正题。
“奥利认为，第一部分主歌应该采用钢琴作为主乐器，而我认为应该使用吉他，这就是我们的分歧。”
简单地用一句话点名争论焦点，然后罗南就朝着奥利望去，“奥利，我先说我的意见，然后再由你说你的意见，大家一起加入讨论，你觉得如何？”在奥利发出抗议声音之前，罗南就先发制人地整理了状况。
奥利翻了一个白眼表示抗议。
罗南不由轻笑了起来，“我就当作你同意了。”而后，重新看向马克西姆和克里夫。
“在我的脑海里，希望能够制造出一种循序渐进的感觉。”
“从清唱开始，剥离所有的修饰与装点，然后吉他切入，再是贝斯、再是鼓点，包括架子鼓这里也可以切换不同层次，比如先是嗵鼓，再是低音大鼓，就这样一层一层地将情绪堆积起来，与旋律歌词完美契合在一起。”
“最终在副歌切入的时候，让钢琴成为丰富整个听觉立体感和深度效果的手段，累积的情绪全部释放。”
“弦音的清澈和明亮，作为引入阶段的辅佐，能够尽可能减少自己的存在感，不会破坏歌曲的平衡结构，同时能够与歌词传递出来的情绪完美结合；而琴键音的饱满与厚实，则能够在副歌部分深入情绪，真正让情绪之中深层次的不安感沉淀下来。”
说着说着，罗南的眼睛也逐渐明亮起来，原本还不太清晰的思绪就这样逐渐明确起来——
对于罗南来说，他不曾系统地学习过编曲知识，对于很多东西都只能凭借着感觉和直觉来捕捉灵感，却很难用言语准确而清晰地表达出来；不过，今晚却是一次机会，通过表达和讨论，脑海里就能够源源不断地涌现出自己对于乐器的运用、对于旋律质感的要求以及对于歌曲风格的定位的诸多想法。
一点一点地，逐渐清晰起来。这是非常有趣的一个过程，有些懵懂、有些模糊，但整体而言，方向是正确的。
罗南忍不住也跟着亢奋起来。
其实，在歌曲创作过程中，作曲和编曲是两回事。
对于大部分普通人来说，往往容易产生误解，“作曲就是单纯创作一个人声旋律或者创作音乐作品的主旋律”，但其实，在学术之中的解释应该是，完成音乐里面所有的工作，并且创作出能够演奏的音乐才算是作曲。
在古典主义时期，电脑还没有发明，作曲的概念就相当于完成所有创作工作，简单举例，作曲家应该先写音乐作品的主旋律，而后为创作出来的旋律搭配适合自己的和声，其次考虑为主旋律搭配合适的乐器，最后需要把自己创作的所有旋律运用到实际乐器或者演唱者身上，让音乐作品可以完整呈现。
而编曲，则是音乐体系渐渐完善并且真正商业化之后形成的一个全新概念，尤其是九十年代的电脑普及之后，音乐创作不再依赖于真正的乐队进入录音室完成现场演奏、以实际演练来给予作曲家灵感、并且现场做出调整，所有工作都可以在电脑上直接完成，并且尽可能真实还原乐器原本的效果，于是，编曲环节也就渐渐独立了出来。
音乐产业渐渐工业化商业化之后，每个工作都进一步细分化专业化，壳的创作分配给不同人完成，比如说一个人负责创作歌曲的旋律与和声，一个人负责创作键盘类乐器声部，一个人负责创作电声类乐器声部等等，而这些全部都是编曲的工作。
也正是因为如此，当代音乐制作的过程可以区分为：
作曲人，一般是旋律作者；作词人，还有编曲人——其中编曲人的工作内容又可以细分地包括多个岗位，录音工程师、混音工程师、母带工程师等等。
上述情况，全部都是不同人担纲职责是可能的；全部工作全部由一个人来完成也是可能的。
总而言之，当代音乐产业之中的作曲，就是单纯地创作一首歌的人声部分，又或者是一个特定部分的器乐旋律；而当代音乐产业之中的编曲，则包括后续的庞杂工作，编写歌声、调整和弦、乐器的选择与搭配、一些效果器的使用、音乐文件的导出等等。
由此可见，编曲人是一个类似于制作人的位置，首先需要丰富的乐理知识，乃至于专业的乐器知识；其次需要敏锐的触感，对于歌曲风格、市场定位等等了如指掌，音乐是否能够流行就取决于这个环节；再次也同样需要创作灵感，如何根据不同表演者来提炼出原曲的不同风格。
简单来说，同一首歌，可以经过编曲千变万化，甚至是从流行曲风，演变成为摇滚、爵士、民谣等等都没有问题；而同一首歌，经过编曲之后，交给不同演唱者诠释出不同风格，在网络时代更是普及：真正高明的翻唱，就需要重新编曲，而不是卡拉ok。
“美国之声”、“美国偶像”等等选秀节目之上，演唱者们都会对歌曲进行改编，这样的编曲过程可以认为是二次创作的过程，其中又包括了三个环节。
首先，对原有作品进行再创作，更改乐器、更改风格、更改结构等等；其次，根据表演者的风格进行调整，在电脑上完成编曲。
最后，在现场演出的时候，根据舞台效果，挑选出一些乐器声部的旋律，由现场乐队进行实际的演奏，而其他部分则由录音带完成输送，这也使得现场表演可能出现单独搭配钢琴演奏的画面效果。
客观